¡Hambre de más Juegos!

¿Os acordáis de "El Show de Truman"? Seguramente alguna vez habréis visto algún capitulo de "El último superviviente" con el todoterreno de Bear Grylls. Pues la película Los Juegos del Hambre cuenta con las mismas bazas que las anteriormente nombradas. Unidas por una trama inquietante y una historia bien narrada: La historia sobre la aventura definitiva.

Siendo sincero, no me he leído ninguno de los tres libros que forman parte de la trilogía creada por la a autora Suzanne Collins. Así que no puedo decir si la película es fiel al libro, pero desde la primera instancia captamos su esencia y su idea principal. Para aquellos que no conozcan su trama y estén interesados:

"Todos los años Panem, obliga a sus distritos a presentar dos jóvenes como tributo a participar en un televisado juego de supervivencia.

12 distritos, 24 concursantes. El capitolio somete a los 12 distritos a una autoridad absoluta por la traición de muchos de sus ciudadanos. Por ello se decretó que cada año se recordase el mandato que ejercen sobre ellos. Celebrándose así Los juegos del Hambre.

Solamente puede sobrevivir uno, si mueres, pierdes. Si ganas, pasas a vivir al área de los vencedores y nunca te faltará sustento".

Al igual que haría la película In Time, Los Juegos del Hambre es una clara crítica social con aires futurístas.Critica desde el principio hasta el final las desigualdades sociales, y el consumismo excesivo de los "Realities shows" en nuestra sociedad. Y hasta donde podríamos llegar para alimentar nuestros gustos. Son esos aires futuristas los que crean cierta distancia al espectador entre la realidad y la ficción. Eso se agradece ya que al separar esas distancias permite que nuestra imaginación quede libre.Así nos podemos esperar que cualquier cosa pueda pasar. Pero todo esto dentro de un límite porque hay mucha realidad en los sucesos ya que ni los coches vuelan ni otras fantasías.

En una película repleta de estrellas de cine, desde Elizabeth Banks,Woody Harrelson, Stanley Tucci e incluso Lenny Kravitz, destaca la interpretación de Jennifer Lawrence, la actriz de Mística en "X-Men" como Katniss Everdeen. La actriz muestra un rostro poco común para sus películas que opta por sacar su lado más guerrero. Forma pareja  con Josh Hutcherson , "Viaje al centro de la Tierra" como Peeta Mellark. Puede que al principio formen una pareja atípica, pero la química que se crea a lo largo de la película es increíble. El papel de los protagonistas es clave, ya que alrededor de ellos surge la historia y más importante aún: el amor.  Jennifer Lawrence definida por la revista Rolling Stone como "la actriz joven más talentosa en Estados Unidos" y Josh Hutcherson son dos grandes actores que se encuentran en la cresta de la ola de sus respectivas carreras, y seguramente con el estreno de este film seguirán en ella mucho más tiempo. Al elegirles es una clara intención por atraer a jóvenes pero sin sacrificar el talento.

Decía al principio que la película guardaba cierto parecido con "El Show de Truman". Me explico: la acción surge entorno a un mundo muy similar al de Truman. Un mundo que gira por y para el reality. Eso sí, un reality mucho más sofisticado y con una tecnología más avanzada. Ya que los realizadores no solo controlan el tiempo, sino que son capaces de interactuar con el medio a su antojo. Todo ello seguido por una amplia cobertura de cámaras.
Respecto a lo del Último superviviente creo que también debe otra explicación, pero todo tiene un sentido racional y lógico. Grylls destaca por su gran sentido de la superviviencia ¿verdad? Como se tata de un juego de supervivencia, Katniss Everdeen se arrepentirá no haberle visto ya que sus consejos le hubiesen sido bastante útiles. Al principio, el espectador tiene clara la línea que divide entre lo que forma parte de la película y el espectáculo televisivo.Pero, al igual que ocurre con el guía británico, la película nos mete de lleno en una aventura llena de acción pero también de sufrimiento. Y gracias a las dotes interpretativas, y a una historia llena de intensas emociones, esta línea se convierte cada vez más difícil de distinguir. No sabremos si lo que vemos es la película o el espectáculo.
¡Que comiencen los septuagésimos cuartos Juegos del Hambre! Y que la suerte esté siempre, siempre de vuestra parte.

8.5

Te encantará

La película es una crítica clara hacia la sociedad que juega con el "hambre". La palabra hambre juega  un doble sentido en esta película. No solo destaca la diferencia entre ricos y pobres sino también el hambre- insaciable diría yo- por consumir programas de televisión y realities shows.  Todo esto está camuflado en una trama espectacular llena de aventuras donde las emociones juegan un papel muy importante. Te dejarás llevar por los momentos de tensión y grandes dosis de adrenalina. No te puedes esperar lo predecible porque lo impredecible es esperar que ocurra.
Quizás en algunos momentos, sobre todo aquellos de más acción, la cámara debería estar más fija. Pero rápidamente se olvida. Y al salir del cine, como yo, digas: "No puedo esperar a la segunda parte. Me voy a por el libro ¡ya!

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Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa

Da gusto salir del cine y ver que has disfrutado como un niño ¿verdad? Como uno de seis años en mi caso. Ya que fui acompañado del hermano de mi novia y salí tan emocionado como el. Y me alegro porque casi le utilizo como excusa para no tener que ir a verlo solo. En un principio me dijo que si ibamos el querría ir a ver Ira de Titanes en 3D- será por los titanes, que según como los mires son como los Gormiti- pero fue enseñarle el trailer y ya lo tenía convencido. ( Y tras prometer que  otro dia iríamos a ver la que él escogiera) Tuve que convencerle para entrar...y para salir.

"Es la segunda mejor película que he visto". Estas fueron sus palabras nada mas salir del cine. Me quedé muy contento la verdad. Pero a la vez algo extrañado por dos cosas: ¿Que le llevaba a afirmar aquello con tanta seguridad?- le conozco y sé que cuando lo dice es porque es verdad- y la segunda quizás mas inquietante ¿Cual sería la primera?

Después de unos minutos, le pregunté porqué pensaba así. Y esta es la reflexión:

La clave está en el 3D.Las películas de El viaje al centro de la tierra son películas para ver en familia pero más importante esta hecha para ver en 3D. Y es que hay peliculas que están hechas para ser vistas en este formato y otras no. Como comentaba en una entrada anterior, convertir Star Wars en 3D no tiene ciencia, pero tampoco gracia. Esto se debe a que sin efectos no se forma parte del film y entonces te preguntas ¿ Para esto he pagado yo?

Con La isla misteriosa ocurre todo lo contrario. Con una inmensa cantidad de efectos con colorido, es desde el primer minuto donde descubres todo el potencial que pueden llegar a tener este tipo de films. 

Técnicamente perfecta y por el resto, la verdad es que no exige mucho al espectador con personajes de expresiones claras y un guión sencillo. Describe  una de las muchas historias de Julio Verne, pero esta vez sobre una isla misteriosa. Una vez allí y con bastantes toques de fantasía-todo lo grande se convierte en pequeño y viceversa-comienza una gran aventura. No deja de ser una aventura lineal como la que puede ser tan simple como salir de la isla con vida. A pesar de ello, su historia deja hueco para el amor, ya bien sea un amor paternal o como el interminable "chico gusta chica y chica se resiste"

Su predecesora, Viaje al centro de la tierra con Brendan Frasier, cuenta con todo esto e incluso sus personajes están más trabajados al igual que su historia. Pero antes de ir a ver su secuela, tuve que recordarle que ya habíamos visto la primera y que le había gustado.Aunque ya casi la tenía olvidada.

Entonces donde está la diferencia para que una pase casi desapercibida en la mente de un niño y otra se convierta en una de las mejores que ha visto? Simplemente el 3D. Cuan sofisticado sea el 3D determinará su éxito.Ambas siguen, mas o menos, la secuencia:nuevo escenario+problema=solución. Intercala algunas escenas en formato tridimensional y consigues a un público enganchado.Como mi colega y yo, que nada más acabar nos dimos cuenta de que nos habíamos comido todas las palomitas.

        7

Bastante Recomendable    

No es de extrañar que no tarden en aparecer más películas de este estilo, estilo que prácticamente lo inició James Cameron con aquél mundo de aventura y fantasía como era el mundo de Pandora en Avatar.

"Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa" es bastante recomendable para ver en 3D ya sea en cine o en casa. Pero si no es así la puntuación debería bajar hasta el 5. Y es que hay algo que esta claro: las películas si son en 3D,dos veces bueno.

¡Ahh!, por cierto,respecto al hermano de mi novia ¿Sabéis cual era la mejor película que había visto? Pues como no, Avatar.

[Rec]3: Génesis

"Estos son una chica vestida de novia, San Jordi y Bob Esponja en una boda...." Suena a chiste pero sería el principio de un resumen, algo acertado, de la última película de Paco Plaza: Rec 3: Génesis.

Acompañado de mi novia fui a ver Rec 3 este lunes. Un poco de rebote la verdad, ya que no se me había ocurrido ir a verla en un principio ante otros estrenos un poco más llamativos-Todos los días de mi vida, Ira de Titanes...-pero hacía tiempo que no veía una de terror. Tampoco estaba muy convencido al tratarse de una tercera parte. Aún así compramos las entradas y entramos bastante animados.

Al principio Rec 3 comienza muy en la línea de Rec: vemos lo que graba la cámara a modo de vídeo "casero" que se intercalan con algunas otras secuencias. Pero a diferencia de las dos primeras, no es un operador de cámara  quién la sujeta sino los familiares, uno por parte del novio y otro por parte de la novia. La inexperiencia y el mal pulso de estos dan mayor realismo al film pero a los diez minutos comienza a marear un poco. No obstante logra alcanzar el ambiente que pretende ya que lo hace más familiar y cercano.

Se presentan a algunos personajes de manera bastante acertada y algunos interesantes como "Atún" creando un vínculo con este último. Pero cuando acaba la ceremonia de bodas entre Koldo y Clara de una forma u otra termina con la esencia que caracteriza a Rec.

La primera película de Rec era lenta y pausada ya que lo que interesaba era crear un ambiente de intriga para desvelar poco a poco la "infección". Pero cuando se trata de la tercera parte mantener este ambiente ya no es necesario y lo que se busca es captar la atención de la mejor forma posible. Paco Plaza  opta por grandes dosis de acción para captar esta atención. Tras unos minutos largos de escenas sin interés y acompañado de maquillaje comienza la acción.¡Por fin! Y es que se agradece porque el recurso de "cámara casera" ya comenzaba a cansar.

Con unos efectos de maquillaje asombrosos, la acción comienza tanto por la pantalla como por las venas.Para mi asombro, y tras 30 minutos de película, la película había captado toda mi atención. Y minuto a minuto veía como la película iba a más. 

La acción y las escenas del terror acompañadas de un guión correcto, sin lindezas, pero correcto conseguían hacerla una película de "zombies" bastante buena, y ¡encima española! pensé. Pero justo cuando empieza la acción se acaba con uno de los personajes al cual se le podía haber sacado más jugo- no diré quién para aquellos que no la hayan visto-. No obstante, ahí estaba  en mi butaca viendo como mi novia, y muchas otras personas, en su mayoría chicas, se tapaban la cara aterradas a cada momento.

A la mayoría de los directores españoles, les provees con una cámara, una buena historia, guion sencillo y algunos actores nacionales y de alguna forma te pondrá algo typical spanish.
En Rec 3 no solo podemos ver un momento que estropee el ambiente de la película,a falta de uno tenemos tres. 
Primero, cuando te encuentras viendo una película en pleno siglo XXI sobre zombies. Lo que esperas es que acaben utilizando todo tipo de armamento como una motosierra que  que sale en el trailer. Pero lo último que puedes esperar es ver al protagonista con una armadura deambulando por ahí y luego con una espada.
En segundo lugar, la introducción del personaje Johnny Esponja. Se puede dar por bueno e incluso le da ese toque gracioso que tienen las películas de terror. Pero ¿Se imaginan ver una película de zombies con un tío disfrazado de Bob Esponja a lo "cutre"? Pues no hace falta que se lo imaginen, en Rec 3 podréis verlo.
Y ya por último, y en un momento donde lo que te apetece es ver como se desahogan matando a los "infectados" aparece un momento que solo podría pasarte en una película española: que te pongan una música de Camilo Sesto de fondo.

 Recomendable              5.5

Si se decía aquello de que segundas partes nunca fueron buenas, no quiero saber como serán las terceras. Bueno pues ya lo sé. Y es que las predecesores de Rec, tanto la segunda como la tercera están muy por debajo. Esto se debe a que no cuentan con el factor sorpresa. No obstante, y en defensa de esta película, Rec 3:Génesis goza de unos momentos dignos de las películas de Tarantino por  unos efectos de maquillaje asombrosos. Y si es fácil que te den miedo las películas, entonces saltarás de lo lindo en algunas escenas. Pero son los momentos "typical spanish" los que te harán recordar que estas viendo una película española y no una de Tarantino. 

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Papeles con sacrificio

¿Cuántas veces no somos capaces de identificar a un actor o actriz  por un determinado papel? Pocas verdad. 

Esto ocurre porque los actores no suelen transformarse a menudo. Y cuando lo hacen suelen apoyarse en el maquillaje y/o indumentaria. Sería obvio pensar en Eddie Murphy, con sus interminables papeles tanto en Norbit como en Profesor Chiflado. Pero lo que aquí quiero destacar son las interpretaciones que requieren cierto sacrificio por parte del actor o actriz. Para ello, he hecho una recopilación de las más interesantes desde mi punto de vista ¡Aunque hay muchas más!

Gana o Pierde peso

Son muchos  los actores que interpretan papeles donde se les "obliga" a ganar peso. Lo hizo Charlize Theron para la película Monster en 2003 donde tuvo que engordar 15 kilos para el personaje de Aileen. O René Zellweger quien también tuvo que engordar para interpretar a la protagonista del Diario de Bridget Jones. Pero, y no queriendo restar mérito, engordar requiere poco sacrificio. Los actores tan solo sacrifican su imagen-Theron por aquél entonces era una modelo delgada-. A mi modo de ver, adelgazar tiene mucho más mérito ya que es más difícil. 

Christian Bale

El actor Christian Bale acostumbra a interpretar papeles que, para mayor dramatismo, requieren un físico determinado. El actor de Batman tuvo que ganar masa muscular para interpretar al héroe de Gotham. Aún así son sus papeles en The Fighter y en El Maquinista los más sorprendentes.Pero Christian Bale se fue al extremo.

The Fighter, que en un inicio dirigiría Darren Aronofsky, director de El Cisne Negro, es una película dirigida por David O. Russel (Tres Reyes).

Protagonizada por Mark Wahlberg y el mismo Bale trata sobre la lucha de un boxeador,algo mayor, por llegar a lo más alto.

Wahlberg interpreta al boxeador y Bale a su hermanastro envuelto entre drogas y la mala vida. 

Al parecer los papeles estaban invertidos pero fue el propio Bale quién tras leer el guión sugirió interpretar al hermanastro.Para adelgazar como hizo en El Maquinista.
Perdió alrededor de 30 kilos en 3 meses para su papel como Trevor Reznik: Un operario de una máquina en una fábrica que padece de insomnio y que la fatiga le provoca un deterioro de su condición física y salud mental. Como se aprecia en la fotografía Bale muestra un aspecto casi cadavérico. Según cuenta, solo se alimentaba de una manzana y café al día para conseguir ese peso. Fueron 28 kilos pero pudieron ser más ya que Bale quería seguir bajando kilos. No obstante, fue el director Brad Anderson quién puso una bascula en el estudio y le prohibió seguir adelgazando: "si adelgazas un gramo más, paro el rodaje".

El Maquinista es una película de suspense psicológico, donde paradójicamente actor y personaje no solo compartieron el mismo físico  sino que también ciertas locuras. Ya que se asegura que Bale se volvió completamente loco y que rozó la tragedia.

                                                                                                                                                                                                                                                                                                      Vete al gimnasio

Normalmente son culturistas o maestros de artes marciales quienes protagonizan las películas donde se requiere un personaje de gran musculatura. La lista puede ser interminable: Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Dolph Lundgren, Jean-Claude Van Damme... Pero a veces, y más notorio en actrices, ocurre que se necesita cierto sacrificio para ganar musculatura.¿Cómo? Pues yendo al gimnasio para rendir culto al cuerpo.

                                                                     Hilary Swank

Million Dollar Baby es una película dramática estadounidense de 2004 dirigida por Clint Eastwood. Además de Eastwood, protagonizan la película Hilary Swanky, Morgan Freeman.  Narra la historia de Frankie Dunn, un veterano entrenador de boxeo ya al final de su carrera, y sus esfuerzos por ayudar a una boxeadora, Hilary Swank, a llegar hasta lo más alto, aunque entrenar a una mujer esté contra sus criterios.

Como ella asegura, no fue nada fácil preparar el personaje. Swank estuvo tres meses entrenándose en un gimnasio en una media de poco más de cuatro horas. Con este duro entrenamiento y con una dieta especial, logró ganar 10 kilos de músculo.También se envolvió los pechos en cinta, se cortó el pelo y se puso ropa de hombre.

 Para todos aquellos que hayan ido al gimnasio, y a los que no, ganar musculatura es un trabajo muy duro y de mucho sacrificio." Me despertaba dando puñetazos a mi marido. Menos mal que Chad tiene espíritu de sparring" comenta la actriz.

Pero su papel como Maggie Fitzgerald no fue el único que requirió un sacrificio. Ya que para su interpretación por Boys Don't Cry, en la que interpreta a una joven que quiere ser un chico tuvo que raparse la cabeza. Asimismo, vivió durante un mes como un chico para acostumbrarse al papel, haciéndose pasar por su propio hermano. ¿Se creen que lo hizo por gusto? Pues no, ya que Kimberly Pierce, la directora de la película, incluyó este requisito para conseguir el papel. Tras interpretar su papel como Brandon Teena-Tina Brandon- sufrió un periodo de crisis de identidad: " En los días libres de rodaje, llegaba a casa y me ponía faldas y maquillaje...,pero al mirarme al espejo sólo veía a un ser andrógino...," palabras de la actriz tras haber superado dicha crisis.

Vete a clases y aprende

Los actores y actrices destacan por sus grandes dotes de interpretación. Pero hay otros que destacan incluso por otras facetas artísticas. Woody Allen toca el clarinete, Pierce Brosnan pinta cuadros en su tiempo libre... Y otros deben aprender para interpretar la faceta de su personaje ya que  la industria cinematográfica de hoy en día es muy exigente y ya no sirve con "engañar" sino que ahora hay que "saber" para lograr que sea mas realista.

Natalie Portman

Al igual que hiciese Hilary Swank al tener que sacrificar su cabellera, Natalie Portman hizo lo mismo para su papel en la adaptación de la novela gráfica V de Vendetta.

Natalie interpreta a Evey Hammond y para conseguir que fuese más similar al personaje de la novela trabajó con una dialectóloga para intentar conseguir un acento más británico.

Pero su mayor esfuerzo fue para su papel en El Cisne Negro. Natalie Portman tuvo que aprender ballet en menos de un año y medio y perder bastante peso.

Como dice su doble, Sarah Lane: "...realmente trató de ir método y entrar en una cabeza de un bailarín profesional y sentirse como ellos". Aunque recientemente, la misma Sarah ha roto su silencio al escuchar que  el 85% de las escenas de baile las rodó sin doble. Ya que asegura que no es así y que solo un 5% de las escenas de ballet de El Cisne Negro las rodó Natalie. 

Tanto sacrificio para...
Entonces si un actor se sacrifica para conseguir un papel ¿Garantiza el exito? Veamos: Christian Bale, ganó un Óscar al mejor actor de reparto por su papel en The Fighter aunque también es cierto que por su papel como El Maquinista,que implicó mayor esfuerzo, no recibió ni una nominación ; Hilary Swank, consiguió doblete ya que tanto por su papel en Boys Don't Cry como Million Dollar Baby obtuvo recompensa alzándose con las estatuillas, y finalmente Natalie Portman, que tampoco consiguió ninguna nominación por V de Vendetta, pero si logró alzarse con el premio por El Cisne Negro. 
Así que respecto a si el sacrificio garantiza el éxito, solo queda decir que Comme ci-Comme-ça ya que Christian Bale en El Maquinista perdió mucho más peso y no se alzó con el Óscar, sin embargo con un esfuerzo menor, por The Fighter sí.
Pero está claro que si te sacrificas tienes muchas papeletas para optar por el premio, aunque solo sea una nominación. Y esto es algo, con el que juegan muchos de los actores y directores de Hollywood. Si no fíjense en Robert Downey Jr. como afroamericano en Tropic Thunder-recordad que le valió su segunda nominación al Óscar-. Porqué sino  Sarah Lane, doble de Natalie Portman,  se vió obligada a no dar detalles al respecto.Víctima de una campaña y de presiones por parte de los productores para que no se hablara de ese tema. El por qué es sencillo: para asegurar que El Cisne Negro ganara el Óscar.

No te fíes ni un Óscar

Hace poco más de 2 semanas se celebraba  la 84ª entrega de los premios Óscar 2012. La gala fue según lo esperado. La atención se centraba  por parte del vestuario femenino en la alfombra roja. The Artist entró tal y como salió: como la gran triunfadora en una noche con apenas sorpresas. Los jueces pisaron sobre seguro con un reparto equitativo entre la película de blanco y negro y con la Invención de Hugo, sendos con cinco estatuillas. Quizás sobre demasiado "seguro" ya que no consideraría que el  Óscar a la mejor actriz  a Viola Davis  lo hubiera discutido nadie pero la Academia optó por premiar a un fijo en estas quinielas, como es Meryl Streep que se alzó con su tercer premio Óscar.

Los Óscar son los premios más destacados dentro del panorama cinematográfico y eso está claro. Como las estrellas en los hoteles o los tenedores en los restaurantes,nos interesamos por las películas según los Óscars que hayan obtenido-y las productores "fardan"  en sus portadas-destacamos ciertos actores por el número de estatuillas... Pero ¿Hasta que punto puede esto ayudarnos a determinar si una película es mejor que otra? La razón se debe a que en todas estas galas siempre se comete alguna injusticia. Asimismo a veces las candidaturas al premio de mejor película son realmente reñidas y, obviamente, no pueden compartir el premio. Esto hace que un año veamos a El Sexto Sentido quedarse sin el Óscar para que  años después se lo lleve una película llamada Crash.

La gala de 2012 no tuvo ninguna sonada, pero si echamos la vista atrás la cosa cambia:

Cadena Perpetua (1994)

Shawsank Redemption, conocida en España como Cadena perpetua está reconocida por IMDB ( Internet Movie Database) a día de hoy como una de las mejores películas junto al Padrino. No solo entre expertos sino entre la gente tambien, en un Top 250 de las películas más valoradas entre los usuarios-http://www.imdb.com/chart/top- el puesto numero uno lo avala.

La película obtuvo 7 nominaciones: Mejor película, mejor actor, mejor guión adaptado, mejor banda sonora, entre otras. Y ¿Cuantos Óscars se llevó esa noche? ¡Ninguna!

No se llevó ninguna pero porque tuvo la "mala" suerte de enfrentarse a otro favorito: Forrest Gump. Fue un duelo de titanes en el cual Cadena Perpetua salió perdiendo ante los 6 Óscars de la película protagonizada por Tom Hanks. No hay duda alguna de que ambas son películas con una historia sorprendente. Que los personajes interpretados por  Morgan Freeman y Tom Hanks poseen un carisma increíble. Pero ¿verdaderamente nos creemos que de siete nominaciones  ninguno haya ido a parar a Cadena Perpetua?

Analizando mejor, Forrest Gump ese año ganó el premio Óscar a los efectos especiales. Todo el mundo que haya visto la película, y probablemente también el que no, recordará aquellas escenas de Forrest compartiendo programa con John Lennon, saludando en la Casa Blanca a John F. Kennedy, etc. Unas técnicas que consiguieron meterse al jurado en el bolsillo pero por su mala memoria. Ya que, y ahora seguramente no muchos de vosotros, reconocerán unas escenas utilizando la misma técnica para hacer compartir secuencia con Adolf Hitler. Forrest Gump pertenece a 1994, mientras que esta técnica se le atribuye a la película  de Woody Allen: Zelig, donde se le puede ver con Hitler. Quizás no se acuerden porque ¡se trata de una película de 1983! Pero sin embargo eso no detuvo al jurado que le sirvió el premio en bandeja  a Forrest Gump.

                                                                     Apocalypse Now (1979)

 La película de Francis Ford Coppola es sin duda una película de culto a los amantes de las películas bélicas, y no bélicas también. Pero ese año tan solo se llevó la nominación a la mejor película el cual ganaría la película: Kramer vs Kramer.

Con este ejemplo, se abre otro debate: 

¿ Suele  una película alzarse con el premio a la mejor película por poseer uno, o dos actores con una interpretación desbordante?  En Kramer vs Kramer, destaca la presencia de las magníficas interpretaciones por parte de Dustin Hoffman y Meryl Streep, interpretación que les valió un Óscar, como mejor actor y mejor actriz respectivamente. Esto en la mayoría de los casos, engrandece la película, tal y como fue el caso. Pero ¿Es esta razón suficiente como para que Apocalypse Now no se mereciese el Óscar? Ni mucho menos. Apocalypse Now no solo cuenta con unos actores destacables, Robert Duvall, Martin Sheen o Marlon Brando, sino que posee una historia fresca y bien narrada.

Si analizamos el argumento de Kramer vs Kramer descubrimos que es algo lineal, poco innovador y con numerosos tópicos: un padre que antepone su trabajo a su familia que al ser abandonado por su mujer se ve desbordado ante la necesidad de ocuparse de la casa y su hijo, para finalmente luchar ante los tribunales, y su mujer, quien debe quedarse con la custodia del hijo. 

Mas común que todo esto, es ver como un actor se lleva un premio de la Academia por el éxito de la película, ante otro que gracias a sus dotes interpretativas "salva" el film. Como sería el caso de George Clooney (Los descendientes), o Gary Oldman ( El topo) ante Jean Dujardin y la película The Artist. Porque al fin al cabo, ¿lo que  cuenta no es quién mejor actúe?

Ciudadano Kane  (1941)

Mientras que Cadena Perpetua está considerada una de las mejores películas, la mejor película de la historia se le atribuye a Ciudadano Kane. Y nadie la pone en entredicho, ¿Nadie? Nadie excepto los integrantes del jurado en 1941 que decidieron otorgarle el premio a mejor película a How green was my valley (Cómo de verde estuvo mi valle).  Todo el mundo conoce Ciudadano Kane, pero How green was my valley ¿Cuantos? No tengo nada más que decir señoría.

Llegados a este punto, hay que enlazar con el principio. Existen actores que nos ofrecen la interpretación de su carrera, pero sin embargo descubrimos que no consiguieron el Óscar ese año, eclipsados ante otra interpretación. Morgan Freeman por ejemplo, estuvo magnífico pero se fue con las manos vacías mientras que Tom Hanks se llevaba la estatuilla dorada. Años más tarde, Morgan Freeman, se llevaría un Óscar al mejor actor, sí, pero de reparto en Million Dollar Baby. Haciéndose algo de justicia con él, pero no todos gozaron de esa suerte.  

Gary Oldman 

Gary Oldman  es un actor dedicado por y para el cine. Su contribución ha sido notoria para la industria televisiva, cinematográfica y la industria de los videojuegos. Ésta última se debe a su habilidad para modificar su voz. Muchos conoceran sus papeles camaleónicos: Hannibal, El quinto elemento,Air Force One.

 Conocido como el Actor de Actores, se le compara con Robert De Niro, Meryl Streep, pero con una única diferencia: ambos poseen un Óscar, ésta última cuenta ya con tres. Pero  Gary Oldman recibió una única nominación a los Óscar. La nominacón a su papel por el Topo este año, se ha convertido en su primera- y esperemos que no se convierta en única- nominación. Quien puede olvidar su excelente papel como Harvey Lee Oswald, en la película de Oliver Stone JFK. Parece ser que la Academia de los Óscar sí. Esperemos que al menos se acuerden de él para el Óscar honorífico.

Leonardo DiCaprio

El caso de DiCaprio es un poco diferente. Pero igualmente preocupante: ¿ llegará algún día con la estatuilla a casa?

Con algunas películas mejores que otras, no hay duda de que las interpretaciones de Leo han sido un enorme salvavidas para algunas producciones, Diario de un rebelde por ejemplo.  Desde sus inicios, la ascensión en su carrera ha sido como la espuma-sobretodo gracias a Titanic-.Uno cuando es jóven, coge el trabajo y listo, pero desde jóven Leo ha sido diferente. En general, la filmografía ha sido bien cuidada y tratada. Está claro que los papeles no se toman a la ligera, y DiCaprio con una prematura madurez se ha convertido en un actor  que se lo piensa antes de aceptar cualquier  papel. 

Por ello, protagoniza peliculas que quitan el hipo como Origen en la piel de Dom Cobb; en la pelicula de terror Shutter Island; compartiendo pantalla junto a  Russel Crowe en Red de Mentiras; Formando parte de la guerra civil en Sierra Leona en Diamantes de Sangre, protagonizando películas de Scorsese  como en El Aviador o Gangs of New York, o junto a Tom Hanks en Atrápame si puedes...

Recientemente, ha protagonizado la película dirigida por Clint Eastwood, J.Edgar, un biopic sobre Edgar Hoover donde DiCaprio gana unos cuantos años.

No obstante, todas estas interpretaciones han sido eclipsadas por otras interpretaciones. Nominado en 2004 al premio como mejor actor en El aviador  por interpretar a Howard Hughes no fue suficiente para hacerse con el reconocimiento de la academia. Si bien interpretaba de manera creíble el comportamiento de un obsesivo compulsivo, sería un "ciego" Jamie Foxx en la película Ray quien lograría hacerse con la estatuilla. Jamie Foxx, un rapero convertido en actor hizo la interpretación, no de su carrera, pero de su vida que fue suficiente para desbancar a Leo. ¿Por que? Seguramente porque una interpretación en Jamie Foxx impresiona bastante, pero DiCaprio desde interpretar a alguien con un leve retraso mental, ¿A quién ama Gilbert Grape?, a un obsesivo compulsivo, El aviador, no impresiona. Única diferencia entre Leo y Jaime. ¿La única? Pues no, ya que Jamie tiene un Óscar, y Leo no.

En definitiva, Leonardo DiCaprio es un actor con palabras mayúsculas. Y no necesita ningún premio que lo certifique. Pero todo el mundo quiere ver su trabajo compensado, y un Óscar se ha vuelto en su tema pendiente.

Hemos analizado los Óscars y las películas que se las merecían. A actores que todavía no han conseguido ninguna estatuilla pero que tarde o temprano lo harán, porque se lo merecen. Pero ¿Que ocurre con los casos de actores que no se lo merecían, pero que sí se hicieron con la codiciada estatuilla?

Marisa Tomei

Marisa Tomei sin comerlo ni beberlo se ha convertido en protagonista de una leyenda urbana dentro del mundo de los Óscars. La leyenda se debe a su Óscar como mejor actriz secundaria en 1992 por el papel en la película Mi primo Vinny. Debido a sus escasas opciones para hacerse con la estatuilla, ante Judy Davis o Miranda Richardson en La Herida, y a la "excesiva" felicidad de Jack Palance: Son muchos los que aseguran que este se equivocó y dijo el nombre de Marisa en vez de la verdadera ganadora.

No me quiero ni imaginar como se debe sentir cuando se cuestiona su trabajo. Aún así y suponiendo que esta leyenda urbana no fuera verdad, es la primera vez que la Academia otorga un premio sin el respaldo popular. Y después de todo este revuelo algo me dice que es la primera y última vez.

Pero afortunadamente hay casos en los que el trabajo se ve compensado, tarde o temprano. Como sería el caso de Natalie Portman en 2011 con su Óscar a la mejor actriz por su papel en Cisne Negro.

Natalie ya desde pequeña destaca en una película magnífica, Leon el profesional. Y como Leonardo DiCaprio, consigue papeles que le catapultan hacia la fama, Star Wars.   Papeles donde destaca como The closer,y otras donde aparece junto con grandes estrellas del cine como Robert De Niro o Pacino en Heat. 
Pero recientemente sus interpretaciones artísticas la han valido para hacerse seriamente como candidata al Óscar. Y que han supuesto un sacrificio y esfuerzo para ella. Hablamos de interpretaciones como V de Vendetta, donde tuvo que sacrificar su cabellera rapándose a cero. Y la última, con El cisne negro aprendiendo danza en menos de 1 año y medio. Como dice el dicho: quien algo quiere, algo le cuesta. Y es que la película el Cisne negro de  Natalie Portman es un precioso paralelismo con su vida profesional.
Pero, Natalie se sacrifico en V de Vendetta, y ni nominación ni nada. Y con Cisne Negro, nominación y Óscar ¿Por que? Seguramente porque la academia no viera con buenos ojos a Natalie protagonizando una pelicula que causara tanta controversia con cierto aire anarquista y sí a una chica bonita que hace ballet.

En definitiva, si hay algo claro es que uno no puede dejarse llevar por la fiebre de los Óscars. En esencia premian a las películas merecedoras de dicho reconocimiento pero ¿Quién premia a las películas y a los actores: la academia, o el jurado popular? Porque está claro que la academia  busca favorecer la decisión de las masas pero como hemos analizado hay a veces que ni por esas.

Broadcast News- Al filo de la noticia

El periodismo en el cine ha estado presente de muchas maneras. Ha sido protagonista-El reportero- ha servido para contextualizar-Leones por Corderos-y también como mensaje-Ejecución Inminente. La cantidad de películas dirigidas a esta profesión es bastante amplia y la calidad variada. Actores y directores han probado suerte con películas relacionadas con el periodismo a lo largo de sus carreras. Terreno donde la mayoría suele salir victoriosa y esto es algo que lleva ocurriendo desde los años sesenta.

Cortometrajes como Primera Plana, Luna nueva… forman parte de la lista de películas consagradas acerca del periodismo. Hasta la considerada como “mejor película” de la historia tiene el periodismo como tema central, así es, la mítica película de Orson Wells: Ciudadano Kane

Al filo de la noticia es la respuesta al por qué del periodismo como profesión en pantalla: un periodista suele ser interpretado como una conjunción entre varios personajes. Un reportero, un redactor, un corresponsal… todos ellos pueden ser vistos como “detectives de noticias”: investigan los hechos y preguntan a los testigos, para sacar sus propias conclusiones. Sitúenlos en un terreno, añádanle algo de riesgo y ya tenemos la trama de una película (Corredor sin retorno).

Otras películas, en cambio prefieren explorar el lado más humano de esta profesión. Cuestionado muchas veces, el periodista se encuentra con la labor de realizar noticias con la mayor objetividad posible. Debe contextualizar las noticias dejando a un lado las ideologías y creencias para no inferir en su significado. Suele ser en este tipo de películas donde el personaje adopta un comportamiento más frío y ambicioso. Destaca la noticia por encima de todo, responde a la máxima de: “el fin justifica los medios” Háganlos un cambio en su mentalidad al final de la película, y tendrán un recurso cinematográfico de lo más efectivo.

Sin embargo, Broadcast News es una película que ahonda mucho más en ambos campos.  Con esta fusión logra describir  la profesión periodística y refleja la mente del periodista con mayor precisión. Enfocada más hacia lo dramático que la propia realidad, logra con éxito abarcar todas las facetas del periodismo y sus personalidades; sus éxitos y sus miserias; su bondad y su ambición, pero más importante, su lado más humano. ¿Cómo consigue esto?

Desde el primer minuto del film, podemos observar que la película se centra en dos personajes: Jane y Aaron. Ya desde jóvenes muestran interés en diferentes aspectos del periodismo. La determinación por hacer lo correcto en Jane y la lucha por la diferenciación en Aaron. Unidos por el trabajo, forman un equipo perfecto para la elaboración de noticias. Hasta que el éxito del trabajo solo se refleja en un miembro del equipo. Es aquí donde da comienzo  el primero de los altibajos de la película. Este tono discordante nos acompañara hasta el final de la historia, y al que deberemos atribuirle el éxito de que no queramos perder ningún detalle. Disfrutando de los momentos más graciosos y divertidos, pero atentos por donde puedan surgir las penas.

La película también explota, como decíamos antes, las virtudes y los defectos de la persona dentro de la profesión. Tom es un personaje que distanciará la relación entre ambos protagonistas y con el, se creara un triangulo amoroso entre los tres que hará más dramática la convivencia. Asimismo, corromperá  los principios de Jane y la hará dudar sobre sus ideales: si antes buscaba la noticia y el lado humano de las noticias, con Tom formará parte de ese “circo” de periodistas, avivados por la fama y el poder. Pero que entre riñas y disputas Aaron  hará entender a Jane la realidad. En definitiva, es una película recomendable que disecciona, para después criticar, la vida del periodista dentro del periodismo. Cubierto por el manto de un ideal: lo que es justo prevalece, aunque no siempre.

Las dos caras del lado oscuro

Hace unos días se ha estrenado  la película Star Wars La Amenaza Fantasma en 3D. Y, como no, he ido para recordar una de mis películas de infancia. Al pedir la entrada en taquilla me he sentido un poco "friki" pero reconozcámoslo todo el mundo ha tenido algún hobbie fetiche. El mío, como el de muchas personas, siempre ha sido tener una espada láser y disfrazarme de Darth Vader.

Cabe recordar que La Amenaza Fantasma se estrenó en 1999 por lo cual hay que descartar que la película se volviera a rodar. Esto significa que hay que aplicar el efecto de tres dimensiones sobre la película original. Y esto limita bastante e incluso lo convierte en algo absurdo. Así durante toda la película el 3D estará omnipresente y solo notaremos que es en tres dimensiones por las gafas que llevemos puestas.

No obstante antes de empezar el film junto con los trailers y para promocionar la película se añade una secuencia llena de naves galácticas que nos meten de lleno en el universo de Star Wars con auténticos efectos 3D.  Es bastante engañoso porque  eso es lo mejor del 3D que veremos en la sala. Estaremos esperando "ése" gran momento pero que nunca llegará. Lo sabremos cuando finalice y por la cara de  incredibilidad que nos deja.

Dentro de las tres películas de Star Wars- para distinguirlas de La guerra de las Galaxias- es la más adecuada tanto para mayores como para niños. Además de convertirla en la excusa perfecta para captar nuevos adeptos y asegurar los  ingresos con el merchandising -que no tardarán en aparecer-.

Es la película mas orientada hacia los mas pequeños. Esto se debe al orden de los acontecimientos, y a los acontecimientos en sí: el ataque al planeta de Naboo es la trama principal convirtiendo en todo lo demás en momentos para el entretenimiento y, salvo en la despedida de Anakin de su madre, en secundario. Tras la carrera de los bólidos y unas primeras escenas con Darth Maul, George Lucas nos prepara para un desenlace final en una batalla que promete ser épica. Asimismo, algunos personajes están de forma clara enfocados para atraer la atención de los niños, como es el caso de Jar Jar Binks. Tanto por su forma de hablar como por su torpeza es un personaje 100% artificial que no le otorga nada nuevo a la trama salvo pinceladas de humor. 

 Aun así La amenaza fantasma es una película entretenida.Pero si ya la tienen en DVD o tienen la posibilidad de alquilarla, véanla en sus casas porque la película no va a mejorar más de lo que haría en sus televisores. El 3D es tan solo una excusa engañosa para recaudar dinero para la fundación LucasARts.

La Ola

La película juega con la posibilidad del resurgir de un nuevo partido nacional socialista. Esto le otorga una gran importancia tanto mediática como representativa. Ya que, al ser una película de producción alemana, hace una clara referencia hacia el “deber” de Alemania de procurar que esto no ocurra. Aunque cabe decir que originalmente este experimento fue realizado por primera vez en un instituto de Estados Unidos. Sin embargo, respecto lo anteriormente dicho de que se pudiese repetir un “nuevo Hitler” tal y como muchos niegan, La Ola sirve para concienciar a la sociedad de que es muy posible si se encuentra una cabeza de turco y un objetivo común.

Quizás tenga mayor impacto en Alemania, y conciencie en un grado mayor a los teutones pues ciertamente, no se han de sentir culpables por lo ocurrido en la segunda guerra mundial, pero sí responsables, en parte, del alzamiento del tercer Reich.

La Ola responde muchas cuestiones. ¿Cómo realiza esto? Pues estereotipando de manera eficaz a sus personajes. Por ejemplo, los alumnos de dicho experimento: La clase es un retrato de la población actual alemana. Cada alumno representando así un rol determinado de acuerdo con los roles y clases sociales alemanas. Por parte de la población inmigrante, mayoritariamente turca, observamos al alumno que se siente discriminado, en algunas situaciones, por su raza étnica. Gente rica y por ende poderosa, representada por “el niño de papá”… Pero como personaje clave y relacionándolo con la asignatura, nos encontramos a Caro. Caro representa una minoría, con claro desacuerdo con la estructura de la Ola, y discriminada por ello. Representa la minoría pero vemos también  que actúa como los medios de comunicación, en menor medida, tratando de informar a la gente de la verdadera situación y estado.  ¿Qué ocurre cuando las personas están suficientemente comprometidas en el proyecto? Eso es lo que vemos en Caro: la marginan por no estar de acuerdo con sus pensamientos y opiniones; la callan,- como podemos ver en el partido de Waterpolo con los panfletos- y no dejan a los medios expresarse libremente.

Finalmente, entre todos los roles, el más importante es “la mano ejecutora” que representa la población socialmente marginada. Como ocurriese con el partido nacional socialista alemán del tercer Reich: toda población busca el bien propio a través del bien común. Hitler, reflejado por el profesor, es capaz de hallar un objetivo común. Si alguien es capaz de hallar un objetivo que logre unir dos bienes, tanto el propio como el común, obtendrá el poder de las masas.

El poder de las masas se ve constantemente en este film. Por ejemplo, con Hitler la población se sentía orgullosa de ser alemana, de manera muy similar al orgullo que sienten los alumnos de La Ola. Con las masas se dejan atrás minorías para formar parte de un todo. “La Ola era mi vida” decía antes de apretar el gatillo. Esta frase resume el papel de los marginados dentro del grupo: pertenecen al bien común por su propio bien.

Asimismo, si tan fácil fue que Hitler se alzase con el poder, quizás hoy en día sea más fácil de manejar a las masas gracias a las nuevas tecnologías. Pero paradójicamente, gracias a las nuevas tecnologías el efecto se reduce ya que surgen más y más modas que sustituirán unos objetivos por otros.

Independientemente de que en la película haya personajes estereotipados y que exista un alto paralelismo con la historia “reciente” alemán y además de ser un experimento con adolescentes, no me cabe la menor duda de que con gente adulta el resultado sería igual. Me atrevería decir que incluso mayor. Esto se debe a que todo lo que sé- yo como parte de los adolescentes como grupo- se debe a que lo he aprendido de gente adulta. Los adolescentes todavía conservamos un poco de inocencia, pero una vez que la perdemos es cuando nos convertimos en adultos. ¿Quienes protagonizan los atentados, los secuestros? ¿Quienes disparan a la gente por dinero? ¿Quienes son los que crean las guerras, y viven a costa de ellas? ¿Los “adultos”? Lamentablemente, si.

En conclusión, cuando uno termina de ver la película se ve obligado a realizarse la siguiente pregunta: ¿Puede llegar a ocurrir? Independientemente de que sea ficción y aunque esté basado en hechos reales-no lo está en su plenitud, pero lo está- no deja de ser algo que pueda llegar a ser real. Y este es el sabor agridulce que te deja esta película.

El reciclaje en Avatar

“Avatar es la segunda película más taquillera de la historia.”-“La película más cara de la historia”-“Se ha convertido en el mejor estreno de la historia de IMAX”-“Es la película más pirateada/descargada de la historia”

Con todos estos récords lo fácil es pensar que debería ocupar también el puesto de: Mejor película de la historia. Lo paradójico es sin embargo descubrir que la película   carece realmente de  historia propia. Avatar es para James Cameron  lo que La criatura es para Víctor Frankenstein: Ambos deciden “crear” una obra maestra. ¿Cómo logran esto? Pues cogiendo “fragmentos” de esto y de aquello, hasta conseguir la perfección. Lo bueno se queda, y lo malo se remplaza.

Dejando a un lado los paralelismos, James Cameron ha sabido realizar una película futurista, reciclando conceptos de películas antiguas. Y es aquí la razón por la que carece de una historia propia. Todo el mundo conoce la historia de los indios y vaqueros: Los indios representan el poder de la naturaleza y espiritual mientras que los vaqueros representan la modernidad y la avaricia. Se presentan ambos mundos y un problema terrenal. Problema que supone un conflicto que se resuelve con una batalla final entre el bien y el mal.

Podría ser un resumen lineal del argumento de alguna  película de 1950, pero no, se trata del resumen de la película Avatar, del año 2009. Una vez que tienes el plato principal, lo único que tienes que hacer es aderezarlo bien y presentarlo. Otras películas del cine “western” también tratan sobre el cambio de pensamiento del hombre moderno y como una vez que entra en contacto con el mundo espiritual y natural de la cultura india se transforma ¿Por qué conformarse con un único plato si se puede acompañar con un segundo? Respecto a la presentación, Avatar dedicó más de 150 millones de dólares  en marketing.  ¿Y no es esta, sino una de las claves del éxito?

Felizmente, me alegra decir que el éxito puede tener siempre dos caras. Ya que sería injusto criticar la película por pecar de original. Pues Avatar fue una apuesta por los nuevos métodos de filmación con la tecnología 3D. Puede que no fuese la primera película pero sí la que supo sacar más provecho. Es en este apartado, en lo visual, donde Avatar ofrece al público lo que desea: espectáculo, colorido…

Es una película futurista con claras referencias a nuestro mundo: tanto la similitud de los animales, los paisajes, etc. Que sabe llenar nuestros vasos ansiosos de fantasía. Porque a las personas nos encanta fantasear. Fantaseamos constantemente, por ejemplo con la posibilidad de que exista vida inteligente más allá. Y Avatar es una clara respuesta a ello. Esto no significa que nos creamos que Pandora pueda existir, y que la comunidad Na’vi ni exista, ni que sean así, pero como he dicho: nos encanta fantasear con ello.

La película cumple también con la esencia heredada de las películas de los indios y vaqueros, ya que se nos presenta un mundo colorido-y muy similar al nuestro-que está al borde de la destrucción, y por algo que no llego a determinar muy bien por qué, nos afecta con mayor intensidad, mientras que seguramente si fuese ambientada en nuestro mundo- puesto que ocurre- no causaría el mismo impacto. Aunque ese sería otro tema.

Definitivamente, James Cameron ha sabido crear una obra maestra con piezas ya oxidadas en nuestros recuerdos. Además de unir dos mundos como es el artístico con el industrial aunque para hacerla haya tenido que recurrir al marketing. Pero como ya decía Hitchcock “el cine son sólo 400 butacas que llenar. 

Introducción

Cómo en todo blog siempre hay un objetivo. El mio es el que me ha llevado a hacer este blog:  la pasión por el cine.  Solo puedo  ver como objetivo el deseo de querer compartir mis opiniones e impresiones sobre las películas que causan mayor interés. Intentaré captar tanto mis emociones como mis inquietudes dentro de la sala del cine para después poder reflejarlos aquí.  Analizando críticamente y con  valoraciones personales para que luego seáis vosotros mismos quienes juzguéis la película. Y decidáis si ha sido útil.

Es una experiencia nueva para mí- es mi primer blog- aunque  no con el cine ya que llevo años disfrutando de la presencia de las buenas películas, y escribiendo pequeñas reseñas desde pequeño. No sé donde me llevará esto y tampoco me preocupo por ello. Es algo que me gusta, y ser crítico cineasta es mi sueño-pero eso ya lo decía Meryl Streep en los Puentes de Madison.- Con esto pretendo enriquecerme durante el camino, disfrutando  con aquello que  más me gusta y, con suerte, enriquecer también a aquel que lo desee.

"Los viejos sueños eran buenos sueños. No se cumplieron, pero me alegro de haberlos tenido"

Los Puentes de Madison